Soyut sanat: köken ve tarih, özellikleri, resim ve diğerleri

Soyut sanat, doğal olandan tamamen farklı bir alan yaratmak amacıyla, kendisini herhangi bir gerçek temsilden ayıran herhangi bir sanatsal ifadedir. Bu soyutlama hissi, farklı geometrik şekillerin yanı sıra noktalar, çizgiler ve saf renklerin kullanılmasıyla elde edilir.

Sanatsal bir akım olarak soyutlama, mecazi olmayan sanat olarak da bilinir; Bu, bu tarzın geleneksel sanatla temsili olmadığı anlamına gelir. Buna rağmen, gerçekliğe olan bu mesafe bir olumsuzlama anlamına gelmez, aksine bir muhalefet veya karşıtlık önerir.

Uzmanlara göre, soyut sanatı anlamak için, tamamen zıt kavramlar oldukları için, figürasyon ve soyutlama arasındaki farkı ayırt etmeyi bilmek gerekir. Bu nedenle, bu sanatsal kavramlar özümlendiğinde, soyut bir eserle figüratif bir iş arasında ayrım yapmak kolaydır.

Soyutlama ve figürasyon

Soyutlama olgusu, yaratılan elemanı gerçekte var olan herhangi bir unsurla ilişkilendirmenin mümkün olmadığı durumlarda kendini gösterir.

Örneğin, bir ağacın görüntüsü alınmışsa ve bulanık veya değiştirilmişse, bu sanatsal oyun bir soyutlama olarak kabul edilemez, çünkü görüntü orijinal figürün özünü hala korur; yani, hala mecazidir.

Öte yandan, gerçek referansı olmayan görüntüler bir soyutlama olarak alınabilir. Soyut sanat alanında, geometrik soyutlama, formalizm ve dışavurumcu soyutlama gibi birçok özellik vardır. Ancak, hepsi gerçek referansın yokluğu ile ilgilidir.

Rüyalarla ilgili bu rakamlar bir soyutlama olarak kabul edilemez çünkü rüyalar ve kabuslar gerçeküstü görüntüleri kışkırtabilse de (örneğin, tek boynuzlu at), yine de gerçekte bulunabilecek referansları korur. Tek boynuzlu at, boynuzlu bir at).

Figüratif dünya ile uzaklaşmak

Soyutlama, sanatsal dünyayı kökten değiştirdi, çünkü bu olaydan önce, sanat on dokuzuncu ve yirminci yüzyıl boyunca biçimin Empresyonizm gibi diğer hareketler arasında bulanıklaşmaya başlamasına rağmen figürasyonun altında kaldı. izlenimcilik sonrası ve kübizm.

İnsan mağaralara boyandığı zamandan beri, sanat gerçekliği temsil eden bir arayış olarak kaldı.

20. yüzyıla kadar sanatçı kendisini çevresinden ve bağlamından ayıramadı, bu yüzden soyut sanat, büyük toplumsal değişimlere ve estetik bir tadilat isteyen tarihi bir anın episteme açılışına izin verdi.

Soyutlama müzikle ilişkilendirilebilir, çünkü sesler figüratif olamaz (müzikal isimlendirmeye rağmen). Renkler ve şekiller de soyut, çünkü gerçek bir göndericiye sahip olması gerekmeyen çok çeşitli seçenekler sunuyor.

Köken ve tarih

Soyut sanatın kökeni, kübizm ve fovism gibi önceki hareketlerde; ancak, gerçek nesnelerin temsili ile renklerin görsel algısı arasındaki ayrım için bir başlangıç ​​noktası görevi gören belirli bir resim var.

Bu eser ressam James McNeill Whistler'e ait ve siyah ve altın renkli Nocturn: Düşen roket. 1874'ün bu resminde bir dizi koyu renk görülebilir ve doğrudan insan formlarını veya mimari yapıları bulmak zordur.

Kolayca takdir edilen şey, havai fişek gösterisini uyandıran altın noktalara ek olarak, ışık ve gölge darbeleridir.

Kübizm, Dışavurumculuk ve Faşizmin Etkisi

Pablo Picasso ve Georges Braque'in çalışmalarının ortaya çıkması ile geometrik şekillere ve düz renklere güçlü bir giriş izni verildi. Aynı şekilde, Paul Cézanne ayrıca alternatif bir realitenin yaratılmasında onun girişimlerine girişti; yani figüratifin yeniden inşası için çalıştı.

Buna karşılık, Ekspresyonist sanatçılar renk paletinin ve formlarının yoğunluğundan - kaba bir şekilde olsa bile - sömürmekten sorumluydu. Resimleri, eleştirmenler tarafından, büyük bir toplumsal dehşetsizlik döneminden önce gerici bir biçimde tezahür eden bir tutku taşması olarak kabul edilir.

Aynı şekilde, Edward Munch’tan El shito gibi bir eser, daha sonra 20. yüzyılın soyut veya figüratif olmayan sanatının gelişimi için temeldir . Aynı zamanda , Mesih'in Brüksel'e girişi, James Ensor tarafından yapılan resim de dikkate alınmıştır.

Paul Gauguin, Henri Matisse ve Georges Seurat gibi diğer büyük avangard üsteler, daha sonra soyutlamaçılığın en büyük temsilcisi Vasili Kandinsky'nin anahtar ilham kaynağı sayılıyor.

Bunun nedeni, ham rengin dili, farklı fırça darbeleriyle birlikte, ünlü öncüyü güçlü bir şekilde etkilemesidir.

Baudelaire'den Mallarmé'ye: referansı uzaklaştırmaya çalışın

Yazma dünyasında aynı zamanda yerleşikten kopma ve tüm gerçek referanslarla sona erme amacı taşıyan farklı hareketler geliştiriyordu. Harfler alanında bu ayrılık biraz daha zordu, çünkü insan zihninde kelimeler her zaman referanslarını desteklemeye çalışacak.

Bununla birlikte, bu şairler, kendisini ifade ettiği kavramdan ayırarak, kelimenin akustik görüntüsü yoluyla formun içselliği ile bağlantıyı sağlamıştır.

Modernliğin büyük şairi Charles Baudelaire, tüm duyuların belirli sanatsal uyaranlara tepki verdiği fikrinin tohumunu ekmekten sorumluydu, çünkü bunlar, insanın bilinçaltında bulunan derin bir estetik seviye ile birbirine bağlıdır.

Başka bir deyişle, tüm sanatların gerçek bir referansı yanıtlama gereği duymadan, kulakta ve algılayıcının aklında belirli duyuları uyandırma yeteneği vardır.

Aynı şekilde, Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud ve Guillaume Apollinaire gibi ünlü Fransız şairler, sözcüklerin cüretinin tadını çıkarmaya ve okurda neye dikkat etmeden neyi gösterebileceklerine odaklanmak için referans formunun uzaklaşmasını istedi. kavramı.

Bu, okuyucunun zihinsel yapısının, belirlenmiş parametrelerden kurtulması ve hecelerin sonoritesinde farklı duyumlar oluşturması ve birleştirmesi için cesaretlendirmesi gerektiği anlamına gelir. Bu nedenle, yazı içindeki bir soyutlamadır.

Claude Debussy'nin müzikal suluboyaları

Daha sonra soyut sanatın müzikal atası olarak, müzik parçaları, empresyonist ve post-empresyonist ressamların fırça darbelerini taklit eden büyük besteci Claude Debussy'dir.

Aynı şekilde, bu besteci sembolik hareketle de ilişkilidir, çünkü notları, dikkate değer bir oryantal etkinin eşlik ettiği güçlü bir alegorik yük tarafından oluşturuldu.

Bu, Debussy ve Erik Satie gibi müzisyenler için, günlük yaşamda gözlemlenen nesnelerin, yalnızca insana renk ve hareket eşliğinde bir sesle tezahür eden çok daha derin bir gerçekliğe yanıt veren semboller olduğu anlamına gelir. .

Soyut sanatın özellikleri

Özü yakalamak istiyor

Farklı yönlere sahip olmasına rağmen, soyutlama hareketi esas olarak nesnelerin ilkel özünü arayışıyla karakterize edilir.

Bu nedenle soyut sanat, sanatsal tezahürlerinde bilinç ve bilinçdışı keşfi en saf düzeylerinde yakalamaya çalışır.

özgürlük

Temel özelliklerinden bir diğeri, tekniklerin ve unsurların uygulama özgürlüğü ve bu kaynakların önemidir.

Örneğin, bu kromatik alanda açıkça uygulanır: renkler gerçek bir konsepte gerek duymadan kendi sanatsal ifadelerine sahiptir.

Gerçek formların olmaması

Soyutlama, gerçek formlardan yoksundur; sadece geometrik şekiller kullanılır, çünkü toplayıcı form basitliğine hitap eden bir stildir.

boyama

-Vasili Kandinsky

Birçok eleştirmen için soyut sanat, Vasili Kandinsky'nin eserleriyle başlar; Ancak, 1910 yılında, soyutlamanın başlangıcı olarak düşünülebilecek olan Fransız mermerlerinin ünlü olduğu unutulmamalıdır.

Ancak uzmanlara göre, Kandinski'nin sanat tarihindeki önemi yadsınamaz. Bu ressamın eserleri için ilham kaynağı olarak kullandığı bir oryantal kan mirası vardı.

Ayrıca, aynı sanatçı Moskova'nın efsanevi katedrallerinden ilham aldığını itiraf etti; Ona göre, kentin renkli mimarisi, uyumlu bir estetik ve kültürel içselliği yansıtan dış görünüşünde sanatsal çatışmalardan oluşuyordu.

Sanatsal çalışmaları sırasında Kandinsky, formun ilk özünü aramayı savundu. Bu nedenle çalışmaları üç kelimeyle özetlenebilir: renk, algı ve duyu.

Sonuç olarak, soyut sanatın mutlakın mistik bir koşulunu öngören bir imtiyaz olduğu; yani sürekli bir ideolojik ve felsefi evrim için bahis yapar.

İlk soyut suluboya

Bu üç ön varsayımın estetik bütünlüğünü elde etmek için, yazar, resimsel çalışmanın içindeki birinci nokta elemanı, çizgi, düzlem ve renk gibi temel plastik elemanların kullanımını desteklemiştir.

Bu unsurlar arasındaki dernekler ve bağlantılar sayesinde insan gözü için yeni ve farklı algı veya algılamalar edindim.

Bunu akılda tutarak, soyut sanatın Kandinsky'nin ilk soyut Suluboya'sı ile 1910 yılında doğduğu söylenebilir. Bu resimde, gerçeklerle ilişkilendirmeden renkli şekiller, çizgiler ve plastik değerler görebilirsiniz; yani figüratif olmayan unsurlardan oluşan bir eserdir.

Ayrıca, izleyici bu çalışmayı dikkatle gözlemlerse, resmin esas olarak mavi ve kırmızı renkleri vurgulayarak, birincil ve ikincil renklerden oluştuğunu algılayabilirsiniz. Ayrıca, diğer renklerin canlılığıyla zıtlığa neden olan birkaç grimsi ton vuruşu vurguluyor.

-Piet Mondrian

Bu tanınmış Hollandalı ressam, soyutlamada başlangıçlarında uzmanlaşmamıştı, ancak önce doğalcılık ve sembolizm gibi diğer stillerle çalıştı. Pek çok stile rağmen, plastik sanatları felsefi ve manevi çalışmalarından etkilenmeye devam etti.

Mondrian, nesnelerin yaşamsal özünü bulma arayışında, resimlerinde evrenin temel yapısını bulmak için geometrik soyutlama ile belirli bir şekilde oynadı.

Bu nedenle eserleri, esas olarak, ışığın ve tüm renklerin varlığından dolayı "renksiz" olarak kabul edilen beyaz renkle ve siyah renkle "renksiz" olarak kabul edilir. toplam ışığın yokluğu ve tüm renklerin varlığı nedeniyle renk.

Aynı zamanda soyut mimarlıkla bağlantılı en ünlü eserlerinden biri, 1921 yılında yaptığı kırmızı, sarı, mavi ve siyah olarak Kompozisyon başlıklı resim.

Burada farklı boyut ve renklerde bir dizi dikdörtgen figür görülebilir; bununla birlikte, palet oldukça basit ve temeldir: adından da anlaşılacağı gibi, dışavurumcu Mark Rothko'nun resimlerini hatırlatabilecek kırmızı, sarı, mavi ve siyah renkleridir.

heykel

Heykel soyutlama hareketinde geride kalmamıştı; Aslında, stil içinde bir yenilik getirmiştir: üç boyutluluk. Bu, soyut resmin içinde figürlerin her zaman düz göründüğü, oysa heykelde formun derinliğinin desteklendiği için oldu.

-Henry Moore

Ana sanatçılarından biri, aynı sanatçıya göre, monokromatik figürlerin harekete geçtiği ve hafif bir romantik ve Victoria ilhamını koruduğu görünen İngiliz heykeltıraş Henry Moore'du.

Moore ayrıca Giotto, Michelangelo ve Giovanni Pisano gibi büyük Rönesans sanatçılarından etkilendiğini de itiraf etti. Ek olarak, yazar, Kolomb öncesi Toltec ve Maya heykellerinin şekillerine hayran kaldı.

Çok sayıda soyut formu esas olarak mermer ve bronzdan oyulmuştur. Moore kariyerinin başında doğrudan oymacılık yaptı; Bununla birlikte, 1940'larda heykeltıraş, kalıp sıva veya kil ile başlamaya karar vermiş ve ayrıca geleneksel ve eski "kayıp balmumu" kalıplamasını uygulamıştır.

dalgalar

Heykelleri, dalgalanma ve boş alanlar içeren formların kullanımı, eleştirmenlere göre, ana diyarı olan İngiltere'nin Yorkshire eyaletindeki manzaralarından edindiği ilhamdan esinlenerek temel özelliklere sahiptir.

Soyut resmin figüratifin ortadan kaldırılmasını desteklediğine rağmen, Henry Moore'un çalışmalarında, kendilerini insan figüründen ayıramayan soyutlamaları algılayabiliriz. Kadın bedeninin temsilini ve maternal figürleri bile ayırt edebilirsiniz.

Moore'un en iyi bilinen eserlerinden biri, Toronto City Hall Plaza'da bulunan ve 1964 yılında yapılan Üç Yollu Parça No. 2'dir .

Bu tek renkli heykel parçası soyutlama ilkelerine daha iyi uyan parçalardan biridir, çünkü şekli herhangi bir gerçek referansla doğrudan ilişkilendirilemez.

-Richard Serra

Soyut heykelin diğer bir büyük örneği ise Amerikan milletinden tanınmış plastik sanatçısı Richard Serra. Hala yaşayan bu sanatçı, eleştirmenler tarafından zamanımızın en iyi heykeltıraşlarından biri olarak kabul ediliyor.

Serra, estetik çalışmalarını daha da hayranlık uyandıran devasa çelik platin parçalarıyla çalışmayı tercih eden minimalist bir heykeltıraş.

Sanatçının ilk aşaması, çoğunlukla erimiş kurşun malzemesini kullandığı soyutlama idealleri ile daha iyi karşılık gelen sahnedir.

Çelik işleri

Aynı zamanda büyük dikdörtgen çelik yapılar yapmak için de bilinmektedir. En meşhurlarından biri, 3.5 metre yüksekliğinde ve düşündürücü ve ince bir eğriliğe sahip olan Tilted Arc . Bu heykel bugün New York'taki Federal Plaza'da görülebilir.

Sanatsal eleştirmenlerin çok sevdiği bir diğer soyut heykel de bir eğriliği olan üç çelik katmandan oluşan Snake olarak bilinen heykeltir (geometrik şekillerdeki eğriler bu sanatçının en temsili özellikleridir). Eser Guggenheim Bilbao Müzesi'nde bulunuyor.

Serra'nın en iyi bilinen ve en iyi işlenen eserlerinden biri, sanatçının tercih ettiği malzemeden yapılmış göze çarpan yedi büyük heykelden oluşan “ Zamanın Maddesi” dir .

Bu rakamlar, bütünüyle, bize doğanın biçimlerini ve insan yapısı olarak zamanın yuvarlak ve aldatıcı karakterini hatırlatan yuvarlak ve eğik formlardan oluşur.

mimari

Yirminci yüzyıl boyunca, mimari disiplinde öz ve ilkel form arayışı da ortaya çıktı. Bu nedenle, soyut mimaride geometrik ve düz figürler baskın olarak minimalist bir tarza taşınır.

Aynı zamanda, bu estetik stile ait mimari, formun gerçek değerine yaklaşmaya, onu günlük yaşamın keyfi ve karmaşa gerçekliğinden ayırmaya çalışır. Bu öğeler içinde, mimari eser doğadan ilham alır, ancak sanatsal ruhun sadeliği arayışı içinde giderek belirginleşir.

Mimaride, resimsel soyutlama ilkelerini ayarlamak gerekir, çünkü heykel gibi, formun üç boyutlu olarak gerçekleştirilmesini gerektirir. Ek olarak, altyapıyı gerçekleştirmeden önce, sanatçının üretmek istediği biçimin somut gerçeklikte gerçekleştirilip gerçekleştirilemeyeceğini sorgulaması gerekir.

Genel olarak, soyut mimari, büyük dikdörtgen pencerelerin yanı sıra basit ve sağlam kare şekillerden oluşur.

-Mies van der Rohe

En bilinen soyut mimarlardan biri, modern mimarinin en önemli sanatçılarından biri olarak tarihe geçen Alman Amerikan Mies van der Rohe'dir. Olağanüstü Bauhaus Alman okulunun müdürüydü; ancak Nazizm'in girişinden dolayı ofisten ayrılmak zorunda kaldı.

Mimarisi, sadeliği ve netliği, soyutlamaçılığın çok karakteristik özellikleri ile tanınır. Ek olarak, sanatçının tercih ettiği malzemeler cephenin içi için kullandığı endüstriyel çelik ve göze çarpan cam levhalardı.

En ünlü eserlerinden biri Barselona'dadır ve 1929'da tamamlanan Alman Pavyonu'nun adını almıştır. Mimarisi basit geometrik figürlerden oluşmakta ve mütevazı büyüklüğüne dikkat çekmektedir. Serbest bir bitkiden oluşur ve neoplastikliğin kayda değer etkilerini korur.

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld, sadece mimaride değil, aynı zamanda marangozluk ve tasarım alanlarında da dikkat çeken, farklı yönlere sahip tanınmış bir plastik sanatçısıydı. 1918 Kırmızı ve Mavi Sandalye gibi mutfak eşyaları tasarımları, dönemin bir unsuru olarak modern ve geometrik karakteri ifade eder.

En ünlü mimari eseri ve soyut estetiğe en çok benzeyen mimarisi, 1924 yılında inşa edilen Rietveld Schröder Evi'dir . Bugün burası müze olarak kullanılıyor.

Özelliklerine gelince, evin hem iç hem de dış cephesi, önceki tüm mimari parametrelerde değişiklik anlamına gelir; dolayısıyla işin önemi.

Evin içinde hiç oda yok, sadece bir tane geniş açık alan var. Dış cephesi, farklı bir şey yaratmak amacıyla uzak ve renkli çizgiler ve düzlemlerden oluşur.

müzik

İlk paragraflarda belirtildiği gibi, müziğin kendisinin soyut olduğunu hatırlamak önemlidir, çünkü skorlar için sembolik bir isimlendirme olmasına rağmen figüratif olamaz.

Dolayısıyla soyut müzik sanatsal bir hareket olarak var olamaz. Bununla birlikte, mutlak müzik olarak bilinen ve fazladan müzikal eklemesi olmayan müzik eserlerinden oluşan bir müzik tarzı vardır; yani, herhangi bir metne bağlı değillerdir.

Başka bir deyişle, mutlak müzik şiir ve sözlerden yoksundur, sadece araçsal bir kompozisyondur; bu nedenle, lirikte eksik olan tüm müziğin bu türe ait olduğu düşünülebilir. Bazı örnekler sonataslarda, senfonilerde veya bir konserde bulunabilir.

Yirminci yüzyıl boyunca, müzikal sanatsal inovasyonları için öne çıkan ve soyutlamaçılığın başlangıcıyla çakışan birçok besteci vardı. En öne çıkanları arasında Igor Stravinsky ve Maurice Ravel var.

-Igor Stravinsky

Stravinsky, bir orkestra şefi ve 20. yüzyılın en iyi müzisyenlerinden biri olarak kabul edilen Rus uyruklu besteciydi. 89 yaşına kadar yaşadığı için farklı müzikal yönleri keşfetme fırsatı buldu; Bununla birlikte, en çok tanınan eserleri, ilk sanatsal sanat kariyeri boyunca detaylandırılmış çalışmalardır.

En beğenilen kompozisyonlarından biri, 1910'da Paris'te ilk kez piyasaya sürülen bir bale olan The Firebird'dir .

-Maurice Ravel

Claude Debussy gibi, bu ünlü Fransız besteci, oryantal etkileri ve renklerin sesler aracılığıyla çağrılmasıyla karakterize edilen izlenimci müzik olarak göze çarpıyordu. Ravel ayrıca dışavurumculuk ve neoklasikliğin özelliklerini korudu.

Bu müzisyen birkaç eser için beğeni topluyor ve en çok çalınan parçalarından biri 1928'de Paris'te prömiyer yapan Bolero ; O andan itibaren bu kompozisyonun başarısı büyük ve evrenseldi. Orkestra hareketi, o zamanlar çok popüler olan ısıtmalı İspanyol dansından ilham alıyor.